上記写真：Wikimedia, Creative Commons, by Zach Kleinより。編集なし。
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自由なエレクトロニック・ジャズの世界も、バーチャルリアリティの領域も自在に行き来する彼女。その創造性への尽きない情熱は「アート・ポップの女神」と称され、反権威的なイノベーターとして、才能と反骨精神、そして唯一無二の存在感を放っています。
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彼女のアートは常識に逆らい、挑戦し、リスナーだけでなくアーティスト自身の先入観さえも揺さぶります。そうして今日、私たちが知り愛するサウンドとビジョンへと進化し続けているのです。
もちろん、私が語っているのはビョーク（Björk）。彼女の強烈な個性、インスピレーションに満ちた狂気、そして比類なき情熱は、その名をアイスランドと同義にしました。レイキャビク生まれ・育ちのビョークの宇宙的な歌声は、1980年代から世界中の注目をアイスランドに集め、想像力豊かなアーティストの宝庫としての国の評判を高めてきました。
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実際、彼女の貢献はあまりにも大きく、感謝の意を込めて元首相のダヴィズ・オッドソン（Davíð Oddsson）は2000年、ビョークにエトリザエイ島（Elliðaey）の権利を与えることを提案しました。しかしこの計画は実現せず、よくある誤解を解いておくと、ウェストマン諸島の劇的な小島にあるロッジはビョークの家ではありませんでした。提案されたのはブレイザフィヨルズルの別のエトリザエイ島でした。
写真：Wikimedia, Creative Commons, by Failuresqueより。編集なし。
それでも、彼女の驚異的な成功は、故郷や家族、そして作品そのものへの誠実な愛着を損なうことはありませんでした。アイスランドでの暮らしについて、ビョークは自身のフォーラムでこう綴っています。「…私たちにはあまりヒエラルキーがなく、誰もが同じくらい大切。だからサインなんてちょっと変。ここでは自己尊重の問題なんです。」
この敬意は、彼女が祖国に対しても抱いているもの。ビョークはこれまで何度も重工業の脅威に公然と異議を唱え、アイスランドの高地エリア（ハイランド）の保護に強い思いを示してきました。「10代の頃はヒッチハイクやキャンプをして、毎年数日間は一人で過ごしていました。13歳で初めて手にしたお金でテントを買ったんです。それが私の理想の自由でした。そして私だけじゃないと思う。この風景には神聖さがあるんです。」
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それでも、アイスランドだけでは彼女の才能や功績を収めきれませんでした。では、この若きクリエイティブなアイスランド人が、いかにして世界中の音楽ファンの心を掴んだのでしょうか？
ビョークの幼少期とキャリア
1965年11月21日生まれのビョーク・グズムンズドッティルは、母で環境活動家のヒルドゥル・ルーナ・ハウクスドッティルに育てられました。ヒルドゥルと夫グズムンドゥルはビョーク誕生後すぐに離婚しています。
ヒルドゥルは娘とともにカウンターカルチャー志向のコミューンに移り住み、そこでギタリストのセイヴァル・アルナソンと再婚。彼は「アイスランドのジミ・ヘンドリックス」として知られていました。アーティストやミュージシャンが家に集まり、音楽を奏で、語り合い、酒を酌み交わす――このボヘミアンな雰囲気が、後のビョークの創作に大きな影響を与えました。
幼少期から音楽の才能に恵まれたビョークは、6歳から14歳までレイキャビク音楽学校Barnamúsíkskóliに通い、クラシックを学び、ピアノやフルートを習得。ここでプロの音楽家としての第一歩を踏み出します。
11歳の時、ビョークは学校のイベントで歌や詩の朗読を披露する生徒の一人に選ばれました。彼女が選んだのはティナ・チャールズ（Tina Charles）の1976年のヒット曲「I Love to Love (But My Baby Loves to Dance)」。その歌声が評判となり、教師たちは録音をアイスランド唯一のラジオ局RÚVに送り、全国放送されることになりました。
写真：Wikimedia, Creative Commons, by Bruce McAdamより。編集なし。
運命的にも、その録音を聴いたFálkinn（当時はレーベル、現在は自転車店）の関係者が、すぐにビョークにレコード契約を持ちかけました。1977年、彼女のデビューアルバム「Björk」はHljóðritiスタジオで録音され、主にカバー曲をアイスランド語に訳した内容でした。例としてスティーヴィー・ワンダーの「Your Kiss is Sweet」やレノン＝マッカートニーの「The Fool on the Hill」などがあります。
「The Arab Boy」は義父による作曲、アルバムカバーは母ヒルドゥルが手掛けるなど、家族ぐるみの共同制作となりました。アルバムは限定リリース（少なくとも7,000枚）で、レコードとカセットで発売。ビョークは当時わずか12歳でした。
アルバムがアイスランドのチャートに入ると、ビョークは不本意ながら子供セレブに。学校の友人たちは彼女に注目しましたが、憧れのビョークと実際の彼女とのギャップに気づきませんでした。落ち込んだビョークは、年上のミュージシャンたちと過ごすことが多く、彼らから2枚目のアルバム制作を勧められました。しかし1979年、アイスランドにパンクシーンが到来するまで、彼女が再び音楽の世界に足を踏み入れることはありませんでした。
15歳のビョークは、イギリスのハードコアパンクバンドDischargeに夢中になり、眉毛を剃り落とし、女性だけのライオットバンド「Spit and Snot」を結成。しかし「態度の問題」と男性嫌いの歌ばかりで、グループはすぐに解散しました。
翌年には新バンド、ポップ／ニューウェーブ系の「Exodus」に参加。唯一残るのはガレージ録音のカセット1本のみですが、テレビ出演も果たし再び注目を集めました。その後「JAM80」というバンドで1度だけライブを行いましたが、在籍期間は短期間でした。
Tappi Tíkarrass
Tappi Tíkarrassは、ビョークがプロのミュージシャンとして本格的に活動した最初のバンドとされています。バンド名は「雌犬の尻にコルクを詰める」という意味（バンドの音楽が「雌犬の尻にコルクがぴったりはまるようだ」と評されたことに由来）で、ベーシストのヤコブ・スマーリ・マグヌッソンが在籍。パンクバンドながらロック、ジャズ、ファンクの要素も取り入れ、ジャンルの枠を超えたサウンドは、後のビョークのキャリアにも通じる先駆的なものでした。
バンドは2年間活動し、パンクEP「Bitið fast í vitið」（1982年）、ディスコ色の強いアルバム「Miranda」（1983年）をリリース。軽快でメロディアスな楽曲はザ・キュアー（The Cure）初期を彷彿とさせ、メンバーたちは新たな成功を手にしました。しかしこの時点では、ビョークのボーカルはまだ完全に開花しておらず、後のシュガーキューブスやソロ活動で見せるような力強いシャウトは影を潜めていました。
Tappi Tíkarrassはアイスランドのコメディ映画Nýtt líf（新しい人生／1983年、Þráinn Bertelson監督）や、伝説的映画監督フリズリク・ソル・フリズリクソン（Friðrik Þór Friðriksson）によるTVドキュメンタリーRokk í Reykjavíkにも出演。ビョークはサウンドトラックに2曲を提供し、アイスランド80年代パンクシーンの象徴的存在となりました。
写真：Wikimedia, Creative Commons, by Rlef89より。編集なし。
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K.U.K.L
1983年、Gramm Recordsのアゥスムンドゥル・ヨウンソンがアイスランドのスーパーグループ結成を企画し、ビョークをリードボーカルの一人として招集。ラジオ番組「Áfangar」最終回のためにライブ演奏を行う予定でしたが、その体験が大成功となり、メンバーたちはバンドを恒久的なものにすることを決意。K.U.K.L（中世アイスランド語で「魔術」）が誕生しました。
翌年、ロンドンのアナーコ・パンクバンドとのコネクションもあり、ファーストアルバム「The Eye」（1984年）をリリース。プロデュースと流通はCrass Recordsが担当し、ビョークが幼少期に愛読したジョルジュ・バタイユの「眼球譚」（1928年）にちなんで名付けられました。
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アルバムはUKインディチャートで6位を記録し、批評家からも高評価。Sounds Magazineのデヴィッド・チベットは「『The Eye』はCrassレーベルの枠を大胆に飛び越え、聴く者を氷河のような混乱と打ち砕かれたビジョンの世界へと引きずり込む」と評しました。
1984年と1985年、K.U.K.Lはヨーロッパツアーを敢行し、パリのL'Eldorado、オランダのPandora’s Box Festival、デンマークのRoskilde Festivalなどで演奏。この間、ロックシンガーMegasともコラボレーション（これらの音源は未発表）。
K.U.K.Lはテレビ出演も果たし、特にビョークが妊娠7ヶ月で下着姿でパフォーマンスしたことが話題に。1986年にはCrass Recordsから2枚目のアルバム「Holidays in Europe (The Noughty Nought)」をリリース。より複雑でエレクトロニクスやノイズを多用した実験的な作品となりました。
その夏、トランペッター兼ボーカルのエイナル・エルンがUKから帰国し、新レーベルBad Tasteを設立。メンバーが他のプロジェクトに取り組み始めたためK.U.K.Lは解散しますが、4人のオリジナルメンバーは新たなアヴァンポップグループ「シュガーキューブス」で活動を続けます。
シュガーキューブス
アイスランド史上最高のロックバンドと称されるシュガーキューブスは、1988年のデビューアルバム「Life’s Too Good」で驚くほどの高評価を獲得。結成は1986年、ビョークと当時の夫でギタリストのソール・エルドンが息子を授かったその日に始まりました。
バンドは当初から斬新でエッジの効いた存在であり、バンド名もLSDの摂取をほのめかしています。UKのOne Little Indian（現One Little Independent Records）、USのElektraと契約し、80年代ポップの楽観主義を皮肉ったポストパンクなデビュー作と、シングル「Birthday」で世界ツアーのチャンスを掴みました。
1988年にはサタデー・ナイト・ライブ出演やニューヨークのThe Ritzでのライブも実現。デヴィッド・ボウイやイギー・ポップもファンを公言するなど、アイスランド音楽史上前例のない成功を収めました。
2作目「Here Today, Tomorrow Next Week!」（1989年）は、バンドの成長不足や意図的な難解さが批判され、評価は低迷。2度目の世界ツアー後、解散も検討されましたが、活動休止を選択します。
写真：Wikimedia, Creative Commons, by Masao Nakagamiより。編集なし。
3作目でラストアルバムとなった「Stick Around For Joy」（1992年）は高評価を受け、ヒットシングル「Hit」も誕生。U2のZoo TVツアーでは前座を務め、70万人以上の観客の前で演奏しましたが、バンドは1992年に解散しました。
シュガーキューブスは2006年にレイキャビクで一度だけ再結成し、Bad Tasteレーベルやアイスランド音楽の振興のための資金を集めましたが、新曲制作や再活動の予定はないと明言しています。
ビョークのソロキャリア
シュガーキューブス解散からビョークの2度目のソロ活動までの間には、さまざまな逸話や誤解が生まれました。80年代にバンドが抱えた負債を返すため、アンティークショップで働いたとか、市場で店を出していたという説もあります。
真相はともかく、ビョークの音楽への情熱は揺るぎませんでした。彼女自身も知らぬ間に、ソロアーティストとして世界に羽ばたく時が近づいていたのです。音楽界は、もはや彼女抜きでは語れなくなりました。
Debut（1993）、Post（1994）、Telegram（1996）
シュガーキューブスの終焉が近づく中、ビョークは自身の楽曲を収めたデモテープをBad Tasteに送りました。当時を振り返り、ビョークは「今やらなければ一生やらないと思った。ずっと頭の中にあった曲を、今こそ形にしなければ」と語っています。
バンドが活動休止に入ると、ビョークはロンドンへ移住。そこではブライアン・イーノ、ケイト・ブッシュ、アシッド・ハウスなど、シュガーキューブス時代よりも自分に合った音楽シーンに出会いました。
ファーストアルバム「Debut」（1993年）は、ネリー・フーパー（Nellee Hooper）（Soul II SoulやMassive Attackで有名）がプロデュース。当初は複数のプロデューサーを起用する予定でしたが、彼のアイデアに刺激を受け、二人で多くの楽曲を制作しました。
アルバムリリース時の反応は概ね好評で、90年代初頭のエレクトロ／ダンスミュージックの常識を打ち破り、1994年のブリット・アワードで「最優秀新人賞」「最優秀インターナショナル女性アーティスト賞」を受賞しました。
2作目「Post」では、作曲やアレンジが大きく進化。前作がアイスランドで書かれたのに対し、「Post」はロンドンのスピード感や多様性を表現。今回は複数のプロデューサー（グラハム・マッシーや808 State、Trickyら）とコラボしました。
実験的で感情の振れ幅が大きいアルバムながら、リスナーには親しみやすく、冒険的かつクラブ向きな楽曲が高く評価されました。
「Post」に続き、初のフルリミックスアルバム「Telegram」をリリース。ただし本人は「リミックスアルバムとは思っていない。TelegramはPostの核のようなもので、曲の要素を極端に強調したもの。だからリミックスアルバムと呼ぶのは逆におかしい。Telegramはよりストイックで裸のまま。耳に心地よくしようとはしていない。自分が買いたいと思うレコード」と語っています。
「Telegram」は賛否両論でしたが、大胆な再構築は今も根強いファンを持っています。
Homogenic（1997）とストーカー事件
1996年、悲劇がフロリダ在住の精神疾患を抱えた害虫駆除員リカルド・ロペス（Ricardo López）によって起こりました。劣等感と自己嫌悪に囚われていたリカルドは、18歳の頃から引きこもりとなり、世間の注目を集める女性たちへの危険な執着心を育てていました。以前は若いアメリカ人女優をストーキングしていたロペスは、偶然ミュージックビデオでアイスランドのアーティストを見かけたことから、すぐに彼女に執着するようになりました。
ビョークがイギリスのプロデューサーゴールディと交際していることを知ったロペスは、深く裏切られたと感じ、怒りを覚えました。この関係は、彼のすでに危険な人種観をさらに煽ることとなりました。そして彼はビョークを殺すことを決意します。フロリダの自宅で、ロペスは中をくり抜いた本に隠した手製の爆弾の製作過程を記録し始めました。
ロペスはこの小包を表向きは歌手のレコード会社宛てに送り、その後自殺しました。警察が彼の遺体と共に発見した告白ビデオなどの資料をもとに、FBIはすぐに爆弾の処理に取り掛かりました。小包はすでにイギリスに到着していましたが、ロンドン南部の郵便局に保管されていました。幸いにも、ロンドン警視庁が誰も被害に遭う前に小包を押収しました。
当然ながら、ビョークはこの事件に大きなショックを受け、自分と息子がどれほど危険にさらされていたか、そして見知らぬ他人がどれほど巧妙に自分の私生活に入り込めるかを痛感しました。ビョークはすぐに息子のために警備員を雇い、学校への送り迎えにも付き添いをつけました。事件後のメディアの注目を避けるため、ビョークはスペインへ渡り、3枚目のソロアルバムの作曲とレコーディングに専念しました。
アルバムホモジェニック（Homogenic）は、「苔むした荒々しい火山」のようなサウンドを目指していました。ビョークのキャリアの中でも、ホモジェニックは最も高く評価されている作品であり、長大なメロディや独特のサウンド、そして不気味なほどパーソナルな歌詞が、彼女を象徴的な存在へと押し上げました。プロデューサーのネリー・フーパーとのタッグを解消し、ホモジェニックは複数のプロデューサーとの共同作業で制作されました。
ホモジェニックは1997年9月にリリースされ、1998年のグラミー賞で最優秀オルタナティブ・ミュージック・パフォーマンス賞にノミネートされました。また、1998年のブリット・アワードでは最優秀インターナショナル女性アーティスト賞を受賞し、ビョークは有名な「I am grateful grapefruit.」という言葉で観客に感謝を伝えました。
ダンサー・イン・ザ・ダーク & セルマソングス（2000年）
2000年、ビョークはラース・フォン・トリアー（Lars von Trier）監督のミュージカル映画『ダンサー・イン・ザ・ダーク』で初主演を務めました。監督はビョークに出演を依頼するため、1年近く説得を続けていましたが、ビョークは「私は音楽アーティストであって、映画アーティストではない」と出演をためらっていました。監督は、この後2人の関係がどれほど波乱に満ちたものになるか、知る由もありませんでした。
撮影現場では、ビョークの奇行が悪名高く語り継がれています。ラース・フォン・トリアー監督によれば、毎朝撮影前にビョークが「ミスター・フォン・トリアー、私はあなたが大嫌いです」と言いながら監督に唾を吐きかけていたそうです。
一方で、ビョークは監督を「性差別的で一緒に仕事ができない人物」と主張していました。また、ビョークは撮影現場から3日間も突然姿を消し、制作に大きな遅れをもたらしました。さらに、衣装の一部を食べてしまったのではないかと疑われるなど、精神的にも極限状態だったとビョーク自身が語っています。
監督は当初、自身が映画内でセリフもなくセルマを叱責する役を演じる予定でしたが、2人の間に生じた緊張感から、監督は自分が演じると過剰な演技になり制作に支障をきたすと判断し、別の俳優を起用しました。
二度と演技はしないと誓ったにもかかわらず、ビョークはその年のカンヌ国際映画祭で最優秀女優賞を受賞しました。映画は賛否両論を巻き起こし、芸術的な演出を称賛する声がある一方で、気取っていて浅いと批判する声もありました。
映画の公開に合わせて、ビョークはアルバム『セルマソングス（Selmasongs）』をリリースしました。アルバムも映画同様、批評家の間で賛否が分かれました。「セルマソングスはエクスタシーを飲んだショーチューンばかりで、警察の手入れを祈るしかない」といった酷評から、「セルマソングスは視力を失う女性の姿を描きつつも、ビョーク独自のビジョンを保っている」といった好意的な評価まで様々でした。
楽曲『I've Seen it All』はアカデミー賞の最優秀オリジナル楽曲賞にノミネートされ、授賞式ではビョークが今や伝説となったスワンドレス（Swan dress）を着用し、そこから大きなダチョウの卵をレッドカーペットに落とすというパフォーマンスを披露しました。
故ジョーン・リバースもこの出来事について「後で彼女がトイレで床に紙を敷いているのを見た…この子は精神病院に入れるべきよ」とコメントしています。このスワンドレスは、後にビョークの4枚目のソロアルバムヴェスパタイン（Vespertine）のジャケットでも再登場しました。
写真提供：Wikimedia, Creative Commons, by Christia Del Riccio。編集なし。
ヴェスパタイン（2001年）
ヴェスパタインは、ビョークの人生における2つの大きく矛盾した出来事、すなわちラース・フォン・トリアー監督のもとでの過酷な撮影経験と、彫刻家・写真家・映画監督マシュー・バーニーとの新たな恋愛関係によって大きく形作られました。これらの経験が、より親密で感情的、そして内面をさらけ出す楽曲制作へとビョークを駆り立て、ダンスホールの女王時代からさらに一歩進んだ表現へと導きました。
アルバム制作は『ダンサー・イン・ザ・ダーク』の撮影中から始まり、ビョークは「セルマソングスは仕事だったけど、ヴェスパタインは趣味だった」と語っています。静かで穏やかなトーンの『ヴェスパタイン』は、撮影現場で演じさせられた外向的なキャラクターからの逃避を表現したものでした。パソコンの前で何時間も一人で作業し、『ヴェスパタイン』はビョークの「ラップトップ・アルバム」として知られるようになり、日常生活の家庭的な側面を電子音楽で表現した作品となりました。
アルバムは大きな批評的成功を収め、ビョークの官能的でエロティックな歌詞と多層的でリズミカルなサウンドが新旧のリスナーを魅了しました。イギリスのアルバムチャートで8位、アメリカのビルボード200で19位を記録し、イギリス、フランス、カナダでゴールドディスクを獲得しました。
14年後、ビョークはPitchfork誌で、自身のアルバム制作におけるオーサーシップ（作家性）が正当に評価されていないことへの苛立ちを語っています。「ヴェスパタインのビートの80％は私が作ったし、3年かけてアルバムを仕上げた。すべてマイクロビートで、巨大な刺繍作品を作るようなものだった。Matmosは最後の2週間でパーカッションを加えただけなのに、どこでもアルバム全体を手掛けたとクレジットされている」と述べています。
ビョークはキャリアを通じて音楽業界におけるジェンダーのダブルスタンダードについて積極的に発言してきましたが、近年になってフェミニストというラベルを自ら掲げるようになりました。2015年には「男性が一度言えば済むことを、女性は5回言わなければならない」と有名な発言をしています。若い女性へのインスピレーションとアドバイスを込めて、ビョークはシュガーキューブス時代の経験を、新人女性ミュージシャンが男性メンバーより認められにくい典型例として挙げています。
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メデューラ（2004年）＆ドローイング・リストレイント（2005年）
『メデューラ（Medúlla）』は、ビョークの作品群の中でも特に異彩を放つアルバムです。ほぼアカペラで構成され、さまざまなボーカルとエフェクトを駆使して作られています。リリース当時、ビョークはこのアルバムを最も政治的な作品と位置付けており、ニューヨークで起きた9.11同時多発テロ以降に高まったナショナリズムへのカウンターとして制作したと語っています。
アルバムはグラミー賞2部門にノミネートされ、世界各国のチャートで1位を獲得しました。ただし、ビョークは楽曲のライブ演奏が難しいと考え、プロモーションツアーは行いませんでした。その代わり、オリンピック委員会から依頼を受け、2004年アテネオリンピックでパフォーマンスを披露。『Oceania』を歌いながら、ドレスが徐々に広がり、ステージ全体を覆って統一された世界地図を描き出す演出が話題となりました。
ビョークは当時の夫が監督したアート映画『ドローイング・リストレイント9（Drawing Restraint 9）』にも出演しました。この映画は日本文化を抽象的に描いた作品で、セリフはなく、彫刻や音楽、コンセプチュアルな映像で物語が展開されます。
ビョークは映画のサウンドトラックも手掛け、映画の影響下で直接制作した2作目となりました。同年、アイスランド音楽シーンを語るドキュメンタリー『Screaming Masterpiece』にも出演しています。
ヴォルタ（2007年）＆ヴォルタイック（2009年）
ビョークの6枚目のソロアルバムのレコーディングは、インドネシア・バンダアチェでUNICEFがボクシング・デー津波の被災児童を支援する現場を視察した直後に始まりました。この経験は「Earth Intruders」という楽曲に大きな影響を与え、当初は10分にも及ぶ即興的な曲でしたが、アルバム用に編集されました。また、ビョークはチャリティアルバム『Army of Me: Remixes and Covers』をリリースし、インドネシアでの支援活動資金を集めました。
『ヴォルタ』は、ビョークがポップミュージシャンとしての才能を再び発揮した作品として批評家から歓迎されました。3作続けてシリアスで感情的なプロジェクトに取り組んだ後、より商業的でアップテンポ、そして楽しいアルバムを作りたいと考えたのです。ヴォルタは共同制作色が強く、マーク・ベル、ティンバランド、ダンジャなどのアーティストやプロデューサーを招いて制作されました。
しかし、運命のいたずらでアルバムは公式リリースの2週間前に誤って公開されてしまいました。オンラインで6時間公開された後に削除されましたが、インターネット時代ではそれだけで十分に流出してしまいました。それでもビョークは国際ツアーでアルバムをプロモーションし、グラミー賞の最優秀オルタナティブ・ミュージック・アルバム賞にノミネートされました。
続く『ヴォルタイック（Voltaïc）』では、ヴォルタに関連する5つの作品がリリースされました。ライブDVD、ヴォルタのミュージックビデオDVD、2枚のCD（1枚はヴォルタのリミックス、もう1枚はオリンピックでの11曲のライブ録音）などが含まれています。
バイオフィリア（2011年）、ヴァルニキュラ（2015年）から現在まで
写真提供：Wikimedia, Creative Commons, by Laganjart。編集なし。
『バイオフィリア（Biophilia）』は、ビョークの7枚目のソロアルバムとして公式に位置付けられ、初の「コンセプトアルバム」となりました。2008～2011年のアイスランド金融危機の余波の中で制作され、自然とテクノロジーの関係性を探求するマルチメディアプロジェクトとして構想されました。その一環として、ビョークはアルバムを一連のアプリとしてリリースし、音楽の新たな届け方に挑戦しました。
アルバムは批評家から高く評価され、第55回グラミー賞で最優秀レコーディング・パッケージ賞を受賞。さらに、アプリとして初めてニューヨーク近代美術館（MoMA）の永久コレクションに加えられました。このプロジェクトからは2つのリミックスアルバムも生まれました。
『バイオフィリア』のリリースと並行して、ビョークはスマートフォンアプリを配信し、後にバイオフィリア教育プログラムへと発展させました。このプログラムは、子どもたちが科学・音楽・最新テクノロジーを通じて自分の創造性とつながることを目的としています。アルバムリリース後、ビョークは4大陸で教育ワークショップを開催し、スカンジナビアの学校ではカリキュラムの試験導入も行われました。
8枚目のスタジオアルバム『ヴァルニキュラ（Vulnicura）』では、マシュー・バーニーとの破局と娘の親権を巡る争いが感情的に描かれています。ベネズエラ出身のアーアーティストArcaと共同制作し、実験的なエレクトロニカやアンビエントの要素を取り入れた本作は、多くの批評家から1997年の『ホモジェニック』を彷彿とさせると評されました。アルバムで大きな役割を果たすストリングスのアレンジは、ビョークにとって癒しのプロセスでもありました。「その状況に対処する唯一の方法は、ストリングスのために作曲することだった。私はバイオリンオタクになって、15本のストリングスのためにすべてアレンジし、さらに一歩踏み込んだ」と語っています。
同時に、ビョークは創作の新たな領域にも挑戦しました。バーチャルリアリティプロジェクトBJÖRK DIGITALでは、最も実験的なメロディと最新テクノロジーを融合させ、彼女の革新的なアーティスト像をさらに強固なものとしました。
ユートピア（2017年）とコルヌコピアの舞台世界（2019～2023年）
2017年11月、ビョークは主にArcaと共に制作したユートピアをリリース。軽やかなフルート、合唱、鳥のさえずりが特徴です。その後、ビョークは自身最大規模の舞台コンサートコルヌコピアを構想。2019年春、ニューヨークのThe Shed（ザ・シェッド）でフルート七重奏Viibra（ヴィーブラ）、ハムラリズ合唱団、壮大な映像演出とともに初演されました。コルヌコピアは2023年まで世界各地で限定公演やアリーナ公演として再演されました。
ソニック・シンボリズムとフォッソラ（2022年）
2022年、ビョークはポッドキャストSonic Symbolism（ソニック・シンボリズム）を開始し、各アルバムの創作世界を振り返りました。同年秋にはフォッソラ（Fossora）をリリース。2018年に母ヒルドゥル・ルーナ・ハウクスドッティルが亡くなった後の悲しみと再生をテーマにした、地に足の着いた作品です。クラリネット六重奏、合唱、ガバ系パーカッションが特徴で、子どもたちのシンドリとイーサドーラも参加。キャリア屈指の高評価を得ました。
アクティビズムとOral（2023年）
長年にわたり環境保護活動家としても知られるビョークは、2023年にロザリアとタッグを組み、未発表曲Oralをリリース。アイスランドのフィヨルドでの開放型サーモン養殖に反対する法的活動への寄付を目的とし、1990年代後半のデモ音源を再構築したこの曲で、アートと社会活動の融合を体現しました。
ライブ・ハイライト 2021～2026年
2021～2022年にはレイキャビクのハルパ・コンサートホールや海外でBjörk Orkestralを開催。地元チャリティやミュージシャンを支援するアンプラグドのオーケストラコンサートを披露しました。2023年にはコーチェラ・フェスティバルに復帰し、ドローン演出付きのオーケストラセットを披露。2025年にはAppleがリスボン公演のApple Music Live: Björk (Cornucopia)を配信し、コルヌコピアのフルコンサート映画も世界各地の映画館で限定上映され、近年の壮大な舞台世界を記録しました。
これからもビョークが音楽、映画、展覧会、あるいは全く新しい何かを生み出すとしても、彼女の揺るぎない創造性に刺激を受けるファンが世界中にいることは間違いありません。
もしアイスランド旅行中にビョークを見かけたら（彼女は時折レイキャビクのバーにも現れます）、ぜひアイスランド人が大切にするプライバシーを尊重してください。彼女のアートがすべてを物語っています。
Michael Chapman is a British travel writer living in Reykjavík. A former scuba and lava cave guide, he draws on firsthand experience to write about Iceland’s nature and culture. He’s also the author of Hidden Iceland (2020).
